Jaime Moncada (1992-2095). Bogotá. Nació en la mitad de una representación de Julio César en Stratford-Upon-Avon. Economista y politólogo uniandino, con Maestría en Dirección y Creación Escénica de la Universidad del Valle. Fundó y creó Teatro de los Dioses junto a Andrea Giraldo en 2022. Los Dioses han montado bajo su dirección y autoría Las Antípodas parte 3: operación Santo Domingo (2022), Mis sets con Fritz no han salido bien y otras cosas: Antípodas parte 3 (2022). La conducta de la vida de María Irene Fornes (2023) y Los perros de Moscú de Felipe Botero (2025).

El 2026 fue un año lleno de transformaciones y cambios en la escena teatral bogotana. Empezando porque se mantuvo la continuidad del Festival Internacional de las Artes Vivas – FIAV y, tras una larga ausencia del Festival Iberoamericano y una primera versión en octubre (que competía con otros eventos habituales de la época), el FIAV se ubicó en Semana Santa, como los bogotanos estábamos acostumbrados; y, aunque no hubo una carpa cabaret, las dos fiestas en Kinder y en Petra fueron una señal de que el espíritu del festival sigue vivo. Luego vino el mundial, que siempre es el temor de los teatros, pero, aun así, las salas seguían llenas con nuevas producciones y muchos encuentros a la salida de las obras. Nuevas coproducciones y apuestas a la programación nacional e internacional del Teatro Mayor y del Centro Nacional de las Artes han hecho de este año uno muy fructífero para la vida teatral bogotana.  Y no solo eso, es la primera vez en mucho tiempo que tenemos (en algunos meses) programación de lunes a lunes, la oferta cultural ha crecido tanto que muchas veces nos toca elegir qué ver y esto es un gran signo para el teatro colombiano A continuación, les quiero hablar sobre diez obras (y un poco más) que vi este año. Uno de los grandes placeres de mi vida es acudir a una sala, sorprenderme, emocionarme y hasta aburrirme en una obra, para después conversar sobre el acontecimiento teatral con un buen trago, el que sea (desde tequila a cerveza) con mi grupo, con colegas y amigos. En lo que va de este año, he podido repetir dicho ejercicio 66 veces con obras nacionales. No voy a asegurar ni a negar que terminé de fiesta 66 días del año (más de dos veces a la semana); lo que sí les puedo decir es que cumplí con mi deber de espectador e investigué, pensé, critiqué y reflexioné sobre cada una de las obras que vi e intenté siempre ir acompañado. Desafortunadamente, hay obras que me gustaría mencionar, como Falstaff del Embuste, Éxodo X de Angie Ligeia, Incertidumbre del Matacandelas, que se presentaron este año, pero las vi en el 2025. Así que, sin más preámbulos…

Frágil / Compañía del Señor M / Dirección: Manuel Orjuela

Tras varios años de trabajar y consolidar un estilo propio, considero que Manolo ha alcanzado uno de los picos en los Alpes alemanes con esta obra. La biblioteca, las luces dimerizables, el vino y el encuentro hacen que la experiencia de ver teatro en un apartamento sea seductora para nuevos espectadores; mientras que, para los habituales siempre existe la pregunta sobre la teatralidad recurrente de las puestas. Y es aquí donde vemos que con algunas mesas (o incluso sin mesas, como en Jaime/Hamlet, su más reciente estreno) y con los actores indicados se pueden construir grandes universos, como es el caso de Frágil o cuadros íntimos como de Ratones y hombres. En esta ocasión nos encontramos con una historia muy colombiana sobre la migración. Tenemos a Ángel (Camilo Colmenares), quien ha salido de Colombia y disfruta de una exitosa carrera lírica en Europa. A su casa llegan el Tranqui (Daniel Gómez) y el inquietante Manuel (Mateo Galvis), buscando ayuda para llegar a Estados Unidos desde Europa. La obra va acompañada del piano de Andrés Hurtado y es contundente por las preguntas que suscita en el espectador: ¿Vale la pena irse de Colombia?, ¿cuánto puede sacrificar una persona para encontrar su bienestar?, ¿la felicidad está en la sencillez de un pueblo colombiano?, ¿por qué nos vamos? Aparte de estas preguntas que surgen a simple vista, mi maestro Alejandro González Puche me hizo caer en la cuenta de que la obra no era sobre la migración sino sobre algo más profundo y es: sobre si el ser humano puede cambiar su naturaleza. Frágil permite diversas lecturas e interpretaciones. Estos tres actores nos cuentan una historia de verdad, nos permiten acompañarlos en sus viajes de ida y vuelta y a mi me conmovieron infinitamente. Es necesario salir de casa un martes y subir al apartamento de Manolo porque cuántos colombianos no han querido regresar a su hogar.

Escape Room / Teatro Nacional / Dirección: Santiago Merchant

Los teatreros bogotanos se enfrentan a un gran reto a la hora de dirigir obras “importadas” en el Teatro Nacional. Hay una pregunta sobre las posibilidades de adaptación, modificación y creación, sin alejarse de un espectáculo que ya existe y que ha sido probado. Entonces la pregunta es: ¿Podemos considerar estas obras como la creación de un autor o simplemente como la reproducción de una fórmula? Escape Room es el ejemplo perfecto de cómo un autor asume este reto y lo vuelve parte del canon de su obra. Antes de iniciar con el comentario me gustaría rescatar tres elementos importantes del Teatro Nacional: en primer lugar, conservan la independencia de la Casa del Teatro Nacional para puestas en escena más arriesgadas, nuevos talentos y clásicos que de otra forma no veríamos. En segundo lugar, la invitación a mujeres directoras en este año como Ella Becerra (Doble o Nada), María Adelaida Palacios (Por una nariz), cuyos montajes se enfrentan a estas preguntas, y debo contarles que salen triunfantes de ellas, vi ambas obras de gran calidad y junto con el público me emocioné, reí y pasé una gran tarde de teatro (Me falta ver Una navidad de mierda dirigida por Carolina Mejía). En tercer lugar, la apertura del Teatro Nacional Leonardus que amplía el catálogo de obras del Nacional y se arriesga a traer obras como Escape Room. Edu (Cristián Villamil) conoce a su novia Marina (Viviana Bernal) en una marcha del 25N; luego, la invita a conocer a sus amigos Richi (Santiago Alarcón) y Vicky (Chichila Navia). Lo que Marina, quien es feminista y de izquierda, no sabe es que Edu y sus amigos son de ultra derecha. Empecemos por el reparto: Cristian y Santiago Alarcón repiten la dupla cómica que años atrás habían interpretado en Granujas también de Merchant y del Teatro Nacional; este rol de augusto y cara blanca les queda como anillo al dedo y es estimulante volver a ver esta relación en otro contexto y bajo otros personajes, que con el paso de los años se ha vuelto mucho más poderosa y divertida. La suma de Viviana y Chichila a esta relación es muy acertada porque ambas tienen el timing de los gags, el ritmo de la comedia y también se conocen bien, es impresionante lo que sucede en el escenario. Por otra parte, Merchant aprovechó el encargo de la adaptación y toda la obra está llena de pequeños guiños y referencias a sus trabajos anteriores con películas ficcionales como “Quítate el bañador y bésame” o “Los zombis de chapinero”, de su universo cinematográfico serie B; de la misma manera el humor y los chistes están todos ubicados en el contexto colombiano. Hacer comedia siempre tiene sus aristas y la construcción de cada uno de los gags que va en aumento hacen que la sala ría sin parar, sin dejar de lado la pregunta que subyace en la obra: ¿pueden enamorarse dos personas con diferentes ideologías políticas? Merchant logró envenenar (como a él le gusta llamar el procedimiento) este llamado y, tras ver la obra uno no queda con la sensación de haber visto la misma obra que podría ver en España o Argentina, sino algo totalmente nuevo. Solo quiero decir que lamento no haber visto la obra con el elenco original.

Spidermarx y el Ratón Bakunin en el último comic / Móvil Flotante / Dirección: César «Coco» Badillo e Iván Darío Álvarez

Soy fanático de las creaciones del grupo Móvil, Calor a las cinco en punto de la tarde y Per-orata de un tomate cuadrado; de la misma manera, disfruto de sobremanera todas las creaciones de La libélula dorada, desde Los espíritus lúdicos hasta Ácidas ficciones. Por esa razón estuve expectante a qué surgiría de la colaboración de estos dos titanes del teatro, y el resultado es inmejorable. Marx va en un tren celestial a encontrarse con su amada Jenny cuando Dios lo envía a Bogotá, al último congreso marxista. El títere cae del cielo y de repente se transforma en un actor de carne y hueso. Marx hará un examen sobre su vida, su obra, su impacto en la sociedad y conversará con versiones de guiñol de Trotsky, Stalin y Engels, además de enfrentar a su rival Bakunin. Por si fuera poco, la obra está dotada de una metateatralidad y somos testigos de cómo Iván y Coco ensayan la obra que estamos viendo; y es en este juego donde la obra se vuelve rica, nostálgica y reflexiva. Iván busca resolver las escenas incompletas con títeres; mientras que Coco propone un acercamiento desde el actor, ambos se toman muy en serio este juego que resulta en una crítica y en una revisión a su carrera artística. Proponen escenas que no funcionan y son conscientes de ello, nos arrojan grandes consignas como esta: COCO: «El teatro ya no es riesgo, se volvió una guardería estatal, esperando dádiva, en donde tanto pobre junto pierde la limosna». O sobre las becas: IVÁN: «Eso es una lotería… una de esas continuas apuestas a las que nos ponen a jugar los Estados, donde hay un solo ganador y muchos perdedores». Al final de la obra los personajes se preguntan si es que “no tienen nada nuevo qué decir”, y creo que tienen mucho para decir. Ojalá esta alianza se mantenga y podamos disfrutar de muchas más obras de ambos universos creativos.

La Real academia de las buenas maneras / Paula Malik, Iman Lizarazu y Catalina Del Castillo / Dirección: Catalina Del Castillo

Por fin pude ver el remontaje de lo que es un clásico del clown colombiano y lamenté haber ido a su última función porque no la pude repetir. Luego de diez años de su estreno, sus creadoras se reúnen, esta vez, con la clown invitada, Imán Lizarazu, para traernos una lección sobre lo que debería ser “una mujer bien portada”. A diferencia de las comedias que están sustentadas en la palabra y un ritmo vertiginoso, La Real Academia está construida con delicadeza, inteligencia y un gran trabajo corporal. Estas mujeres nos dan una doble lección: la primera, cómo criticar los sistemas de valores establecidos para las mujeres sin caer en lo obvio, lo clisésudo desde la comedia. En esta creación existe la licencia para burlarse de cómo portarse ante los invitados, cómo caminar equilibradamente y hasta cómo cantar. Es fascinante ver la jerarquía que existe entre la directora de la academia, su acérrima alumna y la estudiante más ingenua, jerarquía que al final termina en caos y destrucción. La segunda lección es sobre cómo construir la comedia desde lo físico y a un ritmo más calmado. El espectador es invitado a participar en la clase y es testigo de los pequeños triunfos, amores y frustraciones de los personajes, sin que la lección se sienta larga ni aburrida en ningún momento. Esperemos que La Real Academia abra sus puertas más a menudo.

El pabellón del oído / Teatro Petra / Dirección: Fabio Rubiano

Este top cinco no estaría completo sin la más reciente creación de mi maestro Fabio en el Teatro Petra: El pabellón del oído. Luego de Labio de liebre, el Petra se enfocó por varios años en hablar sobre los temas políticos y sociales de Colombia: la derecha y el terrorismo (Cuando estallan las paredes), una revisión de la independencia (Historia patria no oficial), la migración (Historia de una oveja), las consecuencias de la guerra (Banda sonora), una denuncia histórica sobre las caucheras (Perderse (una visita a La vorágine)) y debates al interior de la JEP (Mantener el juicio). Desde el año pasado, Fabio tomó una decisión que aplaudo y es alejarse de lo que se espera de él, y fue así que montó Duplicado, su propia versión de La comedia de las equivocaciones. Su más reciente producción nos invita a no pensar más en los problemas del país y a adentrarnos en la casa de Ida y doña Esther, una madre y su hija que se detestan, pero no pueden vivir la una sin la otra. Fabio se arriesga a contarnos las aventuras episódicas de estas dos mujeres (el cumpleaños de Ida, la ida a la peluquería, un paseo por la calle, la visita de la tía), generando escozor y ternura en el espectador. Marcela Valencia hace despliegue de todas sus habilidades actorales interpretando a la hija menor y Juanita no se queda atrás con la madre. Llena de convenciones lumínicas, sorpresas y detalles, Fabio aprovecha su maestría para brindarnos una obra sumamente teatral. No pude evitar acordarme de El interrogatorio; allí, al igual que en El pabellón del oído, Fabio trabaja sobre los acuerdos artificiales entre dos personajes. Dado que este es un tema que inquieta al autor, sería muy interesante ver una tercera obra que complete la trilogía de este tema. Espero poder repetirme la obra con su elenco alterno, esta vez con Javier Riveros.

1:11 (Uno y Once) / Teatro Nacional / Dirección: José Luis Díaz

Entre las iniciativas de la Casa del Teatro Nacional está La dramaturgia como semilla, programa que le permite a nuevos creadores presentar textos inéditos para que luego sean producidos por el Nacional. Esta vez el turno fue para José Luis Díaz, acompañado de Mateo Merchán, Alejandro Buitrago y el experimentado Luis Eduardo Arango. La obra, muy actual, se hace la pregunta de si puede la inteligencia artificial reemplazar a los teatreros. En escena, muchas veces estas premisas palidecen porque es difícil encontrar la manera de hablar del futuro, del espacio o de la tecnología sin tener un gran presupuesto; sin embargo, José Luis logra, con una escenografía concreta y dos actores que son idénticos, construir el universo de un futuro no muy distante. Alejandro desempeña muy bien su papel de dramaturgo perezoso, cansado de su novia y en busca de nuevas experiencias y viajes; Mateo, su clon exacto, empieza como una inteligencia artificial que cada vez se va volviendo más humana y le genera una gran empatía al público por su candidez y honestidad. Luis Eduardo funge como el narrador omnisciente que comenta y reflexiona sobre la obra, dándole un toque fresco. Para responder la cuestión sobre qué es lo humano, José Luis acude a situaciones cómicas, absurdas y preocupantes que no dejan a nadie indiferente.

Mamá, me quiero morir / Constanza Camelo y Camilo Jiménez Varón / Dirección: Constanza Camelo y Camilo Jiménez Varón

Esta fue la última obra que vi antes de enviar esta nota y quedé gratamente sorprendido. Uno de los principales riesgos de escribir obras de autoficción o biográficas es que la dramaturgia se queda estancada en el relato y no hay pregunta importante, ni un punto de vista del autor; simplemente nos cuentan que se les murió un familiar, o que les dio una enfermedad, o que los dejaron en el altar para conmovernos, y ya. Aquí nos cuentan la historia del papá de Camilo, que se suicidó, y surgen varios cuestionamientos sobre si este hecho afectó su vida amorosa, su elección de carrera y su proyección profesional. Al ser Connie su expareja, reflexionan juntos, reviven intensas peleas y se preguntan: ¿Si nos hacíamos tanto daño y no funcionábamos, por qué seguíamos juntos? La respuesta de Connie es contundente en el teatro y es: no lo sé; la respuesta de Camilo se desarrollará durante toda la obra. Utilizando el recurso de la metateatralidad y sirviéndose de su conocimiento filosófico, Mamá, me quiero morir tiene momentos cómicos, honestos, inteligentes y desgarradores. ¿Es el padre víctima o victimario? ¿Las mujeres aman más que los hombres? ¿Repetimos la historia de nuestros padres? ¿Por qué nos quedamos en relaciones estancadas? Todas estas preguntas y más les esperan cuando la vayan a ver.

Agotados / Circula Colectivo y Yellow Factory / Dirección: Juan Bilis

Tras el éxito de Goodbye, Alejandra Chamorro y Emmanuel Restrepo se juntan con Juan Bilis para reflexionar sobre el teatro. Los tres aceptan el riesgo de adentrarse en parajes desconocidos y, en vez de una obra con una historia lineal y un gran acontecimiento, optan por construir varios cuadros que nos hablan de sus miedos, sus inquietudes y su postura frente a la industria. Juan aprovecha su pericia como director y explota la química y las habilidades de improvisación de ambos intérpretes para pintar un collage con las más variadas situaciones. En ellas cabe la preocupación de los creadores por estar a la moda, por entrar en Netflix, por ser reconocidos; Hamlet interpretado por un conserje de un teatro deforme; la historia de unos migrantes en Navidad hechos con títeres, entre otros. Esta carta de amor al teatro merece ser vista y comentada por toda la comunidad.

Blanco / La congregación Teatro / Dirección: Johan Velandia y Aníbal Quiceno

Johan es uno de los creadores más destacados del panorama nacional; en su búsqueda ha encontrado un lenguaje que mezcla grandes coreografías y canciones en vivo, junto con personajes que son interpretados por todos los actores. Esto le permite crear obras de gran formato que todo el tiempo están en movimiento y construyen un sinfín de imágenes que quedan en el espectador. Un claro ejemplo de ello es Lo que no tiene nombre, con grandes actuaciones, en especial la de Victoria Hernández. Sin embargo, me gustaría hablar de Blanco, una obra que tuvo una corta temporada en el Centro Nacional de las Artes. Johan se aleja de sus terrenos habituales y decide montar un monólogo de Sergio Blanco, un gran reto dado que muchas veces las obras de Blanco esconden lo dramático entre las anécdotas y le dan prelación a lo narrativo. Los directores nos preguntamos si esas obras son mejores montadas o leídas. El atrevimiento de la puesta es que serán dos actores en el relato. De igual manera, nos queda la pregunta sobre cómo interpretar al personaje de Sergio Blanco: ¿somos nosotros?, ¿somos nosotros intentando ser él?, ¿es nuestra versión de Sergio Blanco?, ¿es algo totalmente diferente? Johan, junto con Alejandro Gómez, responden a estas preguntas en la escena. Profundizando en su conocido lenguaje, utilizando varias caminadoras blancas, sirviéndose de algunas proyecciones y, sobre todo, con Johan interpretando a Sergio, la obra da cuenta de un experimento, una descolocación y una profunda lectura de La ira de Narciso. Creo que Blanco es un camino que La Congregación debería explorar más y se aplaude el riesgo. Valió la pena cerrar el libro Autoficciones y bajar hasta los sótanos de la sala Fanny Mickey.

Popurri de obras

Son muchas las obras y los trabajos de amigos, compañeros y colegas que han quedado por fuera de este top diez, pero que merecen la pena ser mencionados y vistos. Termino este artículo el primero de noviembre de 2026 y de aquí hasta diciembre vienen muchas más obras que no alcanzarán a entrar este año, pero que podrán celebrarse en el marco de los reconocimientos Esto-vi. Aquí quiero destacar brevemente la actuación polifacética de Julián Caicedo en Implicados, del Clan Films; el cuasi monólogo de Hernán Cabiativa en Náufrago de Mario Duarte, que nos demuestra la vigencia, potencia y contundencia de Hernán; la dirección de Pájaros de Martha Márquez (escrita por Erik Leyton), sustentada en la palabra de tres grandes actores; la dirección de actores de Jorge Hugo en Sinécdoque= La parte por el todo, de La Maldita Vanidad; y la alegría y el juego de El secreto de la luciérnaga, obra familiar de Otium Teatro.

Epílogo

Gracias por acompañarme en este recorrido de los cañonazos que vi este año; si llegaron hasta aquí, pueden reclamar una cerveza cuando me vean en el teatro y podemos discutir, conversar, cantar y bailar toda la noche. No quería despedirme sin invitar a los lectores a que sigan a mi grupo en Instagram, El Teatro de los Dioses (@teatrodelosdioses), con el que este año tuvimos siete funciones de Los perros de Moscú, una obra escrita por Felipe Botero y dirigida por este pechito, que parece escrita para esta nueva época política por su reflexión sobre el arte y la censura. Nos encantaría que nos acompañen a nuestro próximo estreno en el 2027. Espero que se hayan divertido tanto como yo y nos vemos en el teatro. ¡Salud!

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