Cargando...Marzo 11 y 12 de 2017
Tema: Improvisación
Maestro: Gabriel Gavila (Improvisador Argentino)
Sobre la Clase Maestra:
La improvisación teatral es una forma de teatro espontáneo creada a través de la colaboración y el descubrimiento de diferentes factores que permiten contar historias. Para lograr esto es necesario desarrollar ciertas destrezas que permiten un fluir en el juego, la comunicación y la narración.
En una atmósfera sana y amigable los alumnos podrán profundizar en la creación de escenas improvisadas y sus elementos fundamentales, por medio de juegos, ejercicios y situaciones que les permitirán desarrollar habilidades para facilitar la creación de historias improvisadas.
Objetivos:
-Iniciar al participante en aspectos básicos de la Impro Teatral.
-Generar conciencia de nuestro funcionamiento como instrumento Creativo.
-Adquirir una técnica teatral útil para cualquier labor vinculada al trabajo en equipo.
Contenidos:
1. El cuerpo, el movimiento y la palabra.
– El cuerpo propio, sus capacidades y limites. Liberación y Bloqueos corporales.
– Espontaneidad física y mental. El cuerpo habla. Asociación Libre.
– Desarrollar la espontaneidad como una habilidad que da continuidad y permite asumir cualquier situación dentro del juego.
– Escuchar con el cuerpo. Fluir en escena. Contar desde lo físico, la palabra y la acción.
– El poder de los errores, fracasar y acertar es parte del camino.
– Arriesgar, encontrar la oportunidad. Ponerse a prueba, buscar en escena y salir del lugar cómodo y común.
– Aquí y ahora. Mantener la atención en lo que sucede y reaccionar. Escucha física , escucha real y global.
– Idioma corporal. Qué y Cómo físico.
– El cuerpo y la palabra como herramienta para contar historias.
2. Creación de plataformas
– Quién, qué, dónde, de la escena. Circunstancias dadas, avance y retroceso, crecimiento en profundidad y lejanía de una historia.
– Plataformas estables e inestables. Status Quo. Desentrañar los inicios.
– Romper rutinas.
– El salto al vacío. Confianza. Ejecución a ciegas.
– Historias y narración.
– Continuidad de la narración.
– Juegos como estructuras de narración.
3. Estatus
– El estatus en las relaciones y vínculos escénicos.
– Estatus alto – estatus bajo – cambios de estatus.
– El estatus en el cuerpo, el movimiento y la interpretación.
– El estatus en la creación instantánea de personajes.
– Estatus dentro de las historias.
Gabriel Gavila: nació en la pcia. de Buenos Aires en el año 1982. Es actor, director, dramaturgo y docente-investigador especializado en improvisación teatral. Se formó en IMPRO TEATRAL en el Teatro LOOSE MOOSE (Cuna de la Impro Mundial) en Canadá con Keith Johnstone (Pionero británico del teatro de improvisación , reconocido internacionalmente por inventar el sistema Impro y está considerado el padre de dicha disciplina).Tiene su propia escuela de Improvisación por la que transitan mas de 120 alumnos por año y cuatro niveles de formación en «Impro». Con sus talleres y espectáculos ha visitado varias provincias de la Argentina y distintos países ( Uruguay , Brasil , Chile , Mexico ) , trabaja y trabajó con distintos grupos y compañías teatrales dirigiendo o desde el rol de coach de impro de actores. Su espectaculo «Improvisa2» es un clásico en la escena teatral Argentina que ya fue visto por mas de 1.500.000 espectadores en 13 años consecutivos en cartel. Egresado de la E.A.D. (Escuela de Arte Dramático del Gobierno de la ciudad de Buenos Aires, ex – EMAD). Completa sus estudios con seminarios de clown, improvisación teatral, varieté, humor, esgrima, violencia escénica, acrobacia, maquillaje teatral, danza moderna, danzas folkloricas, tap, canto, entre otros. Cursó hasta el tercer año de la licenciatura de Expresión Corporal del I.U.N.A. (Instituto Universitario Nacional de las Artes). Fundador de la Compañía Teatral Improvisa2 , uno de los referentes de la técnica de «Impro» a nivel Nacional. Dicta talleres y seminarios de actuaciòn e improvisaciòn teatral hace más de doce años. Obtuvo en diversos proyectos propios coproducciones de instituciones como: Proteatro, Instituto Nacional del Teatro, Fondo Nacional de las artes, etc. Participo de diversos festivales nacionales e internacionales.
Marzo 25 y 26 de 2017
Tema: De lo intangible de la creación a lo tangible de la realización
Maestro: Wilson García(Director y Programador de Artes Escénicas / T de Teatro)
Sobre la Clase Maestra:
Mesa de trabajo para gestores en artes escénicas, a partir de un proyecto ideado o en proceso de gestión. Orientador: Wilson L. García D. @eldelteatro Director y programador de artes escénicas.
Este taller es una mesa de trabajo sobre un proyecto en gestión o en incubación. Se trata de entender el origen del proyecto y sus objetivos, establecer los objetos que dibujen el trayecto y las acciones que puedan motivar las actividades necesarias para ensamblar los elementos oportunos y pertinentes que requiera la construcción de la estructura funcional de una empresa perteneciente al sector de la industria cultural.
A partir de la selección de un proyecto cultural específico. La metodología propone que cada programa elegido se lleve a una mesa colectiva donde cada integrante es testigo del ensamblaje práctico de pensamientos generadores de detonantes que activen la efectividad y la tangibilidad de la vida cultural del propósito.
Los participantes reciben una idea de gestión para ordenar el pensamiento macro del proyecto artístico y se le otorgará los lineamientos particulares y normativos para ejecutar acciones que vayan aportando al crecimiento del objetivo ideado. La experiencia de proyectos ya activos sirven de espejo motivador para inspirar la luz del camino a abordar para el nuevo gestor o la nueva gestión. Todo es aplicado a proyectos en el campo de las artes escénicas o visuales. Conceptos de valor para motivar el interés de participantes: Mesa de trabajo para gestores es un taller participativo para originar, pensar y diseñar acciones asertivas que puedan ser implementadas en un proyecto cultural de las artes escénicas.
El propósito es otorgar al tallerista argumentos motivadores que permitan encontrar senderos de construcción de un proyecto específico. El taller mesa de trabajo, enseñará una breve técnica administrativa de punto de equilibrio para analizar y decidir la efectividad financiera del proyecto en construcción. Se pretende orientar y ampliar la visión intangible de lo que está en el pensar del creador artista o gestor, para que encuentre la manera de llevarlo a la realidad y efectividad.
Wilson León García Delgado: Director y programador de artes escénicas. Hasta 1990 cursó Estudios universitarios en Artes dramáticas en la universidad de Antioquia (Colombia); a la vez que trabajaba como actor y promotor en agrupaciones teatrales antioqueñas como el Teatro Popular de Medellín (Teatro infantil) y La Exfanfarria Teatro con el dramaturgo José́ Manuel Freidel. Acompañó en la producción técnica al bailarín Álvaro Restrepo en su gira “Rebis”. En 1991 trabajó en el área de talleres y asistencia artística en El Teatro Popular de Bogotá́. Realizó una sección del programa Momento Cultural de Punch TV. En 1994 Realizó un stage en producción teatral en el teatro Bobigny de Paris con el maestro Peter Sellars. Desde al año 1992, y durante 19 años, integró el comité́ directivo de la corporación Festival Iberoamericano de Teatro y la Fundación Teatro Nacional. Allí́ su experiencia la fortaleció́ desde la gestión y la producción, destacándose en los campos de la realización técnica, la publicidad, el mercadeo teatral y la dirección artística y escénica. Actualmente cursa la profesionalización en Pedagogía Teatral en la Universidad de Antioquia. Como director Artístico y director invitado en las siguientes obras; ORINOCO de Emilio Carballido, LA CASITA DEL PLACER, Musical de Larry L. King y Peter Masterson. MAMÁ COLOMBIA de Jaime Garzón y Fanny Mikey, CARTAS DE AMOR de A.R. Gurney, COMPAÑÍA de Eduardo Rovner, SIN LÍMITES (On tidy endings) de Harvey Fierstein, UN DIA CUALQUIERA de Dario Fo, AH CARAJO de su propia autoría. OLEANNA de David Mamet. Versiones teatrales de “HANSEL Y GRETEL”, de los hermanos Grimm, “EL TRAJE NUEVO DEL EMPERADOR”, “EL PATITO FEO”, de Hans Christian Andersen; versiones teatrales basadas en los clásicos de Hans Christian Andersen; TU TERNURA MOLOTOV de Gustavo Ott. EL MONO SABE A QUE PALO TREPA comedia de creación colectiva. “UN DIOS SALVAJE” de Yasmina Reza. LA NIÑA DE LA NAVIDAD autor y director. “TE QUIERO MUÑECA” Autor Ernesto Caballero.
Como productor de eventos se ha desempeñado en instituciones oficiales como el Instituto colombiano de cultura y El ministerio de relaciones exteriores.Como programador y productor, promotor del proyecto HAMLET COLOMBIA. Ha producido y presentado conciertos de artistas internacionales como Escalandrum (Argentina), Kevin Johansen (Argentina), Emir Kusturika (Yugoeslavia), Lila Downs (México), Misia (Portugal), Martirio (España), entre otros. Actualmente es el productor ejecutivo y artístico de la compañía La Maldita Vanidad de Colombia, y acompaña a diversos artistas en Colombia y en el exterior con sus proceso productivos. Fundador de la Fundación T de Teatro (www.tdeteatro.com)
Abril 1 y 2 de 2017
Tema: La dramaturgia del actor / El arte de componer la actuación
Maestro: César Badillo (Teatro La Candelaria)
Sobre la Clase Maestra
En el Teatro, independientemente del género, la actuación pasa por el cuerpo. El espectador quiere ver cuerpos vibrantes, sentir junto con el actor. Por eso este taller, se dirige a la materia, a la carne, al cuerpo como eje de la actuación. Exploraremos todo lo que se inscribe y le sucede al cuerpo en provecho de una actuación más orgánica, sincera y plena. Indagaremos a través de ejercicios prácticos, las relaciones, la materialidad de la palabra, los sonidos, las imágenes, el espacio, el tiempo, etc., buscando captar, cómo estos aspectos afectan al cuerpo, y cómo, sabiendo hacerlo, se pueden convertir en poderoso material expresivo; (gestos, actitudes, percepciones, emociones, gritos, oralidad, etc.) que ayudan a configurar la dramaturgia del actor.
Objetivos.
a- Objetivo General: Dar herramientas para hallar formas expresivas propias, que conlleven el desarrollo de una presencia escénica que contagie al espectador.
b- Objetivo Específico: Despertar en los participantes las posibilidades expresivas del cuerpo, y su relación espacial con la palabra, los sonidos, con otros cuerpos, con el manejo del tiempo; la repetición de las acciones; las auto referencias, y la trayectoria sensorial y topográfica del espacio.
Metodología.
1- Mediante ejercicios, desplazamientos, pruebas, juegos, estimular la inventiva para la búsqueda de elementos de expresión propios.
2- Improvisaciones, (interactuar a partir de escenas de textos escritos y también inventados) para abordar y comprender la posible forma de actuarlas.
3- Ejercicios de auto referencias, respecto a los textos y respecto a sí mismos.
V- Intensidad horaria
12 horas distribuidas en 2 sesiones de seis horas cada una.
VI- ¿Hacia quién se dirige?
Preferiblemente a actores profesionales y/o en proceso, pedagogos, directores gestores, y/o artistas en general, interesados en profundizar y aumentar sus herramientas para la construcción escénica desde una actuación más orgánica.
VII-Cupo limitado
Para poder desarrollar una formación más personalizada y efectiva para los objetivos del taller, se hace necesario no pasar de 20 personas.
VIII- Requerimientos
-Una sala para hacer ejercicios e improvisaciones.
Leer las siguientes obras:
Antígona de Sófocles
Ubú Rey de Alfred Jarry
Maravilla Estar de Santiago García
César Badillo Pérez: Actor del Teatro La Candelaria desde 1980. Ha actuado entre otros en el Teatro Petra, Espacio Artístico ORG y Barracuda Carmela. Ha elaborado 45 personajes, entre otros, El Quijote y Tito Andrónico, de Mosca. Ha dirigido 8 obras, como: La Aclaración, con Teatro de Esquina y Si El Río Hablara, Teatro la Candelaria. Co-autor de 12 obras colectivas, entre otras: El Paso, en la Raya y Nayra. Profesor invitado de la Academia Superior de Artes de Bogotá, Fundación Universidad Claretiana, Medellín y la Universidad Pablo Olavide, Sevilla, España. Ganador de la Pasantía Internacional, en formación, para escritura dramática. MINCULTURA, 2014. Actor en 10 cortos, y en 10 largometrajes, entre otros: La Sombra del Caminante y Los Niños Invisibles. Ha publicado tres libros, uno de sus vivencias, El Actor y sus Otros, y cinco textos para teatro: La Aclaración, Amarillo y Cómo regresa el humo al tabaco, un tríptico, escrito y dirigido junto con Felipe Vergara, ganadores con Felipe Camacho, de la Beca de Creación Multidisciplinar, 2016, otorgada por IDARTES, en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán y el Teatro Julio Mario Santo Domingo. Este año 2017, está dirigiendo el próximo proyecto del Teatro La Candelaria.
Abril 22 y 23 de 2017
Tema: Dramaturgia
Maestro: Marco Antonio López (El Guión Revelado)
Sobre la Clase Maestra
La dramaturgia cinematográfica continúa la misma línea paradigmática de principio, medio y fin, que Aristóteles dedujo del teatro griego y que los guionistas asimilaron para el cine. Es decir, que tenemos un condicionamiento mental milenario para crear y para pensar en términos de tiempo lineal, tiempo histórico, unidireccional y judeocristiano.
Pero la tragedia griega, que sirve de base a Aristóteles para escribir su «Arte poética», es expresión de sus mitos, mitos de origen, mitos de fundación, mitos de constitución, mitos celebracionales, mitos sacrificiales y muchos otros.
Con sus mitos, como proyecciones mentales, las comunidades indígenas crean un universo caracterizado por la democracia de la fe, pues el ser originario tiene la libertad para deificar desde sus pasiones, desde sus observaciones de sí y de la naturaleza, desde la apreciación y valoración de sus acciones, así produce sus costumbres, sus creencias y sus pensamientos; pero esa libertad es abatida a sangre y fuego por el dogmatismo judeocristiano, y su mitagogia, que impone el monopolio de la fe; el pensamiento cósmico, de acción y tiempo multidireccionales, simultáneos, intermitentes y cíclicos, también es ensombrecido por esa concepción de «mundo creado» de acción y tiempo lineales y continuos – de Génesis a Apocalipsis, mediados por el sacrificio del redentor o cordero de Dios guerrero- es el pensamiento para el cual la historia de la humanidad es la historia de la guerra.
La dramaturgia que se produce desde entonces corresponde más a la lógica bipolar de la guerra que a la lógica multidimensional, mimésica de una sociedad en crisis.
La búsqueda de una dramaturgia que corresponda a la herencia mítica de las sociedades obedece al deseo de producir, cada vez más, expresión auténtica de la propia manera cultural de los pueblos; para esto, se ha hecho necesario hacer una nueva lectura del mito y reconfigurarlo de manera que nos revele su estructura dramática y, con esto, un nuevo camino: teórico, metodológico y técnico para la creación dramatúrgica y la construcción del guión.
Por supuesto que en este camino, drama, es un término análogo a acción pero refiere especialmente, por su condición metodológica, a la calidad o carácter del conflicto que estimula la acción.
Finalmente una reconfiguración del mito también libera al guionista del código lingüístico y de la estructura heredada del teatro clásico antiguo con sus escenas, sus cambios de fortuna e impulsos. Este es el proceso que «El Guión Revelado», como producto de años de laboratorio dramatúrgico y de experiencia docente se propone compartir con el Taller programado.
Mayo 6 y 7 de 2017
Tema: Voz cantada
Maestro: Juanita Delgado (Cantante y compositora Colombiana)
Sobre la clase maestra:
La clase maestra de voz cantada quiere propiciar un encuentro con la voz por medio de un diálogo con el cuerpo que deviene sonido. Propone pensar el sonido vocal como una materia vital y de encuentro personal e íntimo con nuestro aliento y nuestra forma de comunicarnos. Así mismo quiere aportar estrategias básicas para encontrar una manera propia de estudio vocal que responda a los intereses estéticos personales y las potencias y falencias técnicas individuales.
Temáticas
1. Cuerpo que deviene sonido. Sonido que deviene movimiento.
2. El sonido como materia. De los sonidos primitivos al canto.
3. Eso que llamamos técnica.
Una reflexión sobre el saber del cuerpo en torno a la escucha del momento presente en la producción de sonido.
Estrategias metodológicas para el estudio de la voz.
4. La afinación empieza en la escucha.
Dimensiones de la escucha.
5. Cantar. La extensión del aliento, la conexión con la expresión.
Juanita Delgado: Música, cantante y artista interdisciplinar graduada de la Pontificia Universidad Javeriana cuenta con una especialización en composición y arreglos de Berklee School of Music y actualmente cursa la Maestría Interdisciplinar en teatro y Artes Vivas de la Universidad Nacional de Colombia. Practicante formada en Kundalini Yoga e investigadora del sonido, Delgado ha explorado los universos vocales y estilísticos diversos centrando su atención en la música tradicional de diferentes partes del mundo, el jazz y la improvisación. Entre sus grabaciones se encuentran los trabajos de la FUNDACIÓN DE MVSICA sobre el Barroco en Latinoamérica, varios discos de exploración de las músicas tradicionales del Pacífico y Atlántico con las agrupaciones, Manguala y Comadre Araña, 4 discos al lado del compositor César López, 3 de ellos con el grupo de música de cámara Alas de Prueba que explora la música del interior de Colombia y la adapta al formato de piano, cello, tiple y voz, un disco solista de corte más pop, varias colaboraciones con bandas de rock, folclor, 4 producciones musical de mantras y el disco con el pianista y compositor Ricardo Gallo y que lleva por nombre Canciones internas y de otras partes. Su curiosidad y talento la han llevado a explorar el teatro con la Compañía Colombo-Suiza Thèatre Malandro dirigida por el Maestro Omar Porras en la obra “Bolivar: fragmentos de un sueño” que la hizo merecedora de muy buenas críticas en Europa. Ha participado en creaciones para Casa Ensamble y el Teatro Colsubsidio con la pieza de teatro musical “Sweeney Todd: el cruel barbero de Fleet Street”, el musical “Pantaleón y las visitadoras”, adaptado dirigido por Jorge Alí Triana y basado en la novela de Vargas Llosa en donde actuó, cantó y realizó la dirección musical y vocal, la obra MARRANOS del dramaturgo Santiago Merchant, la obra ganadora de la beca de gran formato de IDARTES 2016 “Cuentos de la Manglería” y el proyecto RETROSPECTIVA del coreógrafo francés Xavier Le Roy curado por la galería NC-arte de Bogotá para el 2017.
Entre sus conciertos más importantes se encuentran los realizados en el Festival de Música Antigua de Chiquitos en Bolivia, donde ha participado en varias oportunidades, el festival Cervantino en Guanajuato, La Feria del Libro en D.F México, El Festival de Música Barroca de San Luis Potosí en México y diferentes festivales locales y nacionales. Ha sido invitada a cantar con la Big Band Jazz de Bogotá en el marco de Jazz al Parque y ha grabado con músicos como el maestro pianista Harold Martina. En el campo académico, Juanita ha sido docente de varias universidades del país, ha desarrollado su método para enseñar solfeo y canto y actualmente dicta clases en la Universidad del Norte en Barranquilla y la Universidad del Bosque. Fue la entrenadora vocal y de música en la escena del Taller Montaje de Teatro Musical de DECA (2015-2016) y también ha sido asesora vocal para diferentes programas de televisión como el Factor X y obras de teatro además de ser conferencista sobre temas musicales y vocales en el país y el extranjero. En el 2016 abre una serie de talleres de exploración sonora, vocal y corporal con su CENTRO DE INVESTIGACION PARA LA VOZ Y EL CUERPO que tiene sede en Bogotá.
www.juanitadelgado.com / www.centroinvestigacionvozcuerpo.weebly.com
Mayo 20 y 21 de 2017
Tema: Cuerpo y escena
Maestro: Tino Fernández (Director L´Explose)
Sobre la Clase Maestra
La labor del intérprete (actor o bailarín) es la parte más importante de la creación escénica. Es en él donde convergen los elementos y de donde surge el sentido mismo de la puesta en escena. Su trabajo justifica, provoca y realza los demás elementos que hacen parte de la obra. Ensayo tras ensayo, se busca que el intérprete sea capaz de capturar la atención del espectador, movilizar su imaginario y satisfacer la sed visual y de sentido que motiva al espectador a asistir al teatro.
Su trabajo oscila entre la novedad y la repetición, la improvisación y la estructura fija, entre ejecutar y crear, entre acción y representación, entre la visión del autor o el director y su propia mirada sobre la pieza y el personaje, etc. Sin embargo, al final de toda la búsqueda que produce el proceso de creación, es la fuerza de la vida que se consigue en la escena, la que es capaz de construir el vínculo con el espectador.
Tino Fernández: Asturiano de nacimiento, cursó estudios de arte dramático en Madrid. Más tarde se orientó hacia la Danza Contemporánea, motivo por el cual se instaló en París en 1983, en donde realizó sus estudios con reconocidos coreógrafos como Jacques Patarozzi, Eléonore Ambash, Catherine Diverrès, Emmanuelle Lyon, Sara Sugihara y Jacqueline Fynnaert. Como bailarín trabaja en diversas compañías como la de François Larochevalière, Jean-Marc Colet, Gilles Mussard et Catherine Berbessou. Hace parte también del grupo de investigación de coreógrafos parisinos «La Règle d’Or». En 1991 crea su propia Compañía bajo el nombre de L’EXPLOSE. A su primera obra “Con los ojos cerrados” le siguen dos dúos: “El silencio de las palabras” y “El secreto de Inés”.
En 1996, se instala en Bogotá y radica su compañía en esta ciudad, como una Fundación dedicada a las artes escénicas. Desde entonces, ha realizado un trabajo ininterrumpido en la creación, investigación y difusión artística.
Con L’EXPLOSE, ha recibido múltiples reconocimientos nacionales e internacionales. Ha representado a Colombia en diversos eventos internacionales en Europa, Estados Unidos, América Latina y Asia, convirtiéndose en uno de los principales embajadores de nuestra cultura en el extranjero.
Junio 3 y 4 de 2017
Tema: Clown
Maestro: Mario Escobar (La RuedaRoja)
Sobre la Clase Maestra:
El Clown es un personaje que todo aquél que se acerque a éste lenguaje construye a partir de su propia intimidad. La idea es develar su transparencia, su desnudez, su disponibilidad, su ingenuidad, su vulnerabilidad y su capacidad de sorprenderse del mundo que lo rodea y de sí mismo.
Son muchos los métodos o formas de abordar esta búsqueda y en ésta oportunidad a través de elementos propios del LENGUAJE DEL CLOWN como son: la escucha, el presente -la relación con el público- y el ridículo, cada participante irá descubriendo los rasgos personales y características propias que lo hacen ser único en el mundo y en el escenario si se piensa desde el campo del arte escénico.
El taller busca además, generar en los participantes un impulso, que los lleve a seguir explorando dicho lenguaje para enriquecer su práctica profesional.
En cada sesión se abordarán varios ítems a saber:
-Entrenamiento físico como preparación para la acción: punto fijo, equilibrio y desequilibrio, compensación, alternancia, llamada, acento, ritmo y espacio.
-Juegos de acción y reacción. La escucha en el escenario.
-La mirada en el clown.
-La importancia del silencio.
-Elementos de improvisación. El aquí y el ahora.
-La acción dramática y exploración del ridículo.
-Confrontación con el público si se piensa la experiencia como hecho escénico.
Jorge Mario Escobar Munevar: Comunicador Social de la Universidad Los Libertadores. Actor y director teatral. Magíster interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas de la Universidad Nacional de Colombia. Fundador y co-director de las extintas compañías de teatro KU KLUW KLOWN y LACLOWMPAÑÍA. Su formación en clown se ha dado gracias a maestros como Hernán Gené (Argentina), Raquel Sokolowicz (Argentina), la compañía Licedei (Rusia) Rolf y Heidi Abderhalden (Colombia), Ricardo Berhens (Argentina), entre otros. Ha participado con sus compañías en diversos festivales nacionales e internacionales como el Iberoamericano de Teatro de Bogotá, Iberoamericano de Teatro de Cádiz, España. Festival Nacional en Cali, Latinoamericano de Mimo en Buenos Aires, Festival de Manizales, Festival Mirada en Sao Paulo, Brasil. Festival Mesc en Bosnia y Herzegovina, entre otros. Fue director invitado en 2005 y 2016 de los montajes de grado de V Año de la Academia Superior de Artes de Bogotá ASAB, con la versión clown de la obra “Piramo y Tisbe” de Ovidio Y “Escuela de mujeres” de Moliere.
Dirigió para el Ku Klux Klown las obras “La Balada del Manikí” y “Krímenes Doméstikos”. Para Laclowmpañía dirigió “El Médico a Palos” de Moliere y codirigido “Cuarteto:Parodia de la Revolución” y “No te escupo la cara porque la vida lo hará mejor que yo” elegida por el diario EL TIEMPO y VIVE IN como mejor obra de teatro en Bogotá 2012.
Ha sido actor invitado en montajes como “¿Un Café” dirigida por Carolina Mejía, El Malo de la Película, escrita y dirigida por Sandro Romero Rey, Los Farsantes, dirigida por Rodrigo Candamil, actor en El Club del Tropel dirigida por Beto Urrrea y otras.
Durante once años fue actor titiritero y libretista del programa infantil CLUB 10 de Caracol TV. Libretista de la comedia La Familia Cheveroni y Libretista asistente de la telenovela Nuevo Rico, Nuevo Pobre también de Caracol TV. Durante cinco años fue lector de proyectos para el Canal RCN. Actualmente es co-director de la Compañía RuedaRoja y profesor de cátedra del Laboratorio de Actuación Cómica de la Pontificia Universidad Javeriana.
Junio 10 y 11 de 2017
Tema: Actuación para teatro
Maestro: Margarita Rosa Gallardo (Ditirambo Teatro)
Sobre la Clase Maestra:
Para el desarrollo de las actividades de la clase es necesario conocer previamente el total de personas que participarán, cuántos hombres, cuántas mujeres.Con anticipación enviaré por internet los textos que trabajaremos. Los participantes de esta clase deben tener los textos leídos, aprendidos y llevar un elemento con el que identifican la sensación del texto.
Plan de Actividades:
• Presentación
• Exposición de los contenidos para el encuentro y reglas de juego para el desarrollo de las actividades propuestas
• Training cuerpo, voz y emociones (Estiramientos, ejercicios inspirados en Kundalini Yoga, Impulsos, coordinación, respiración y training vocal, los músculos extra laríngeos y el cuidado de la voz, la imaginación, la verdad que siento, la verdad que transmito)
• Lecturas de los textos propuestos, revisión de los niveles de cada escena propuesta, contexto, lo oculto, lo profundo, los objetivos del personaje, descripción e identidad de cada personaje (Lo Leve, lo Pesado, lo sutil, lo claro, lo oscuro)
• Escenas e improvisaciones con los textos propuestos (Farsa, Tragedia, Analogías, No Actuación, Voz, Sensaciones)
• Foro Final
Margarita Rosa Gallardo Vargas: Soy actriz de planta de Ditirambo Teatro desde 1992, Comunicadora Social- Periodista, egresada de la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá, con Estudios en Producción y Locución de Medios Audiovisuales y Formación en Arte Dramático. Con experiencia en el campo de las artes, manejo de contenidos en medios masivos y alternativos, relaciones públicas de empresas, dirección, coordinación, liderazgo y organización sectorial del campo cultural. Con Especialización en Cooperación Internacional y Gestión de Proyectos para el Desarrollo en Universidad Externado de Colombia. Desde 1992 me he desempeñado como actriz del grupo de Teatro Ditirambo en las siguientes obras: Siervo Sin Tierra, El Túnel, Las Suplicantes, Montallantas, Madrid-Sarajevo, Los Superheroes, Junticas Como Hermanitas, La Trampa, Yo Soy Lazarillo de Tormes, Te Jodiste Amor, La Gallera de Todos los Santos, Juego de Damas, Corrido Desafinado en Diego para Su Frida, Ni Mierda Pal Perro, Persona A Persona entre otras. Simultáneamente he participado en series de televisión, en cortometrajes y en un largometraje.
En el área periodística, he realizado la coordinación editorial y desarrollo de proyectos periodísticos en medios de comunicación masivos y alternativos, a nivel empresarial he asesorado diversas entidades desde el punto de vista de la comunicación corporativa, en la estructuración y puesta en marcha de estrategias y planes de comunicación internos, organización y logística de eventos, agendas en medios, presentación, coordinación y moderación de eventos académicos.
En la Gestión Cultural he desempeñado cargos directicos en entidades públicas y privadas, he desarrollado diversos proyectos de carácter cultural, social, artístico y turístico en los ámbitos locales e internacionales. Presidente y Directora Ejecutiva de varias entidades dedicadas al teatro y a la cultura en general.
Julio 8 y 9 de 2017
Tema: Interpretación de texto
Maestro: Ramses Ramos (Actor de cine, teatro y televisión)
Sobre la Clase Abierta:
“Más bien sigan sus mejores instintos, acomodando la acción a las palabras y las palabras a la acción”
Hamlet de William Shakespeare
La lectura de textos de distintos géneros abrirá un abanico de recursos para la actuación, apelando a juegos de ritmo y sentido.
Es importante entender lo que leo para poder expresarlo. Desentrañar lo oculto en los textos haciendo un acercamiento desde lo sensorial y lo emocional hasta traducirlo en acciones.
Qué digo? Porqué lo digo? Cómo lo digo? Son algunas de las preguntas que develarán las claves para empezar a construir una buena interpretación. Este taller pretende dotar al actor de un manejo técnico que le sirva para la elaboración de su propia dramaturgia.
Ramses Ramos: Actor, director y formador de actores, con título de Maestro en Arte Dramático de la Escuela de Formación de Actores del Teatro Libre de Bogotá. Ha participado en renombrados festivales de teatro en el mundo, al igual que ha trabajado en numerosas obras entre las que figuran Don Juan, Hamlet, La Tempestad, Infraganti, Se Necesita Gente Con Deseos De Progresar, Escuela De Mujeres, Naranja/Azul, Como Gustéis, Otelo, entre otras.
Ha dirigido las obras Esta Negrura Mía, Meseras, Sin Mente, A Mi Manera, El Ausente, Ositos De Goma y otras más. En 1995 hizo su aparición en televisión en la serie Tiempos Difíciles, y luego en reconocidas producciones entre las que se encuentran La Costeña Y El Cachaco, Sin Tetas No Hay Paraíso, Marido A Sueldo, La Hija Del Mariachi, Pura Sangre, El Fantasma Del Gran Hotel, Regreso A La Guaca, El Cartel De Los Sapos, El Joe La Leyenda, Allá Te Espero, El Dia De La Suerte, La Selección, Diomedes El Cacique de La Junta, por mencionar algunas. También ha actuado en las películas Perder Es Cuestión De Método, Soñar No Cuesta Nada, La Pasión De Gabriel, Retratos En Un Mar De Mentiras, El Jefe, entre otras.
En el año 2007 recibió el Premio Presencia al Talento y Personalidades Afrocolombianas de la Fundación Matamba en Cali, Colombia y en el 2013 recibió el Premio al Mérito Revista Momentos como mejor actor.
Julio 22 y 23 de 2017
Tema: Actuación cinematográfica
Maestro: Juan Pablo Félix (Director de cine)
El Taller de Dirección de Actores para Cine “Menos es más” es un espacio de formación en actuación y dirección cinematográficas, desarrollado a través de procesos de investigación, creación y exhibición. Conducido por Juan Pablo Félix, el taller busca propiciar experiencias de realización para actores y directoras con alguna experiencia en un set de cine o televisión.
El objetivo del taller es comprender profundamente la relación entre el director y la actriz, para lo cual se descubren herramientas de trabajo comunes y concretas, cuyo punto de partida es un preciso y novedoso análisis del texto cinematográfico. Con este propósito trabajamos en ejercicios de grabación, considerando las particularidades de un set de cine. Abordamos el tema de las direcciones no actuables (lastimosamente tan frecuentes) y de sus posibles soluciones, lo que nos lleva a hablar sobre los niveles de representación y su relación con el medio fílmico. Nos referimos a los aspectos técnicos, igualmente importantes para un actor, como la óptica, el sonido y el montaje.
Proyectamos y analizamos los ejercicios y finalmente producimos algunas escenas como trabajo final. Producimos conocimiento propio, latinoamericano y del siglo XXI, basados en las experiencias de los rodajes e intercambiamos apreciaciones entre los asistentes. En este taller se consideran a la actriz y al actor como colaboradores indispensables en la creación de un producto audiovisual y no meros seguidores de órdenes.
Sábado:
8:30 – 9:00 Introducción y presentación
9:00 – 11:00 Grabación de escenas
11:00 – 12:30 Teoría: Análisis de texto
Digitalización de material grabado
12:30 – 2:00 Almuerzo
2:00 – 3:30 Proyección y visualización de escenas
3:30 – 6:30 Diseño, preparación y grabación de nuevas escenas
Domingo:
2:00 – 3:00 Reflexiones en conjunto sobre grabaciones
3:00 – 4:00 Teoría: Las cinco herramientas del actor de cine
4:00 – 6:00 Proyección y visualización de nuevas escenas
6:00 – 6:00 Conclusiones y cierre.
Juan Pablo Felix es un reconocido director de cine y teatro, graduado de la Universidad Nacional de Colombia en Bogotá, con un MFA en Dirección de Teatro de la Universidad de Columbia en Nueva York. También es becario Fulbright y ganador del premio William Shelley. Ha liderado varios proyectos con importante contenido social, trabajando principalmente con niños y jóvenes de comunidades poco privilegiadas en Colombia, Australia y Alemania.
También ha trabajado como director de casting y entrenador de actores para varias películas con estrenos en festivales como Cannes, San Sebastián, Toronto y Venecia. Entre ellas se cuentan “María llena eres de gracia”, “Satanás”, “La sangre y la lluvia”, “La Milagrosa”, “Doctor Alemán”, “Los viajes del viento”, “Día Naranja”, “La pasión de Gabriel”, “Del amor y otros demonios”, “La playa D.C.” y las series de TV «Los caballeros las prefieren brutas», “El laberinto” y “Escobar, el patrón del mal”. A nivel académico, Juan Pablo ha desarrollado un método innovador para acercarse a la dirección de actores en pantalla. Su conocido taller de interpretación/dirección se ha ganado la aclamación internacional, alcanzando países como Estados Unidos, República Dominicana, México y Cuba, donde ha sido profesor invitado a la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de Los Baños desde el año 2010.
En cuanto al teatro, ha realizado montajes tanto clásicos como contemporáneos. Algunos de ellos son “Tío Vanya”, “Don Quijote”, “La Ronde”, la comedia colombiana “Dos Hermanas”, la obra de ficción postcolonial “United States Of Banana” y el musical escrito y compuesto por él, “The Amazing Story of El Hombre Caimán”. Los intereses de Juan Pablo van más encaminados hacia el teatro post-dramático, la ópera, los clásicos re-imaginados y los proyectos multimediales.
Intensidad horaria
120 horas (10 sesiones programadas de día y medio cada una)
Inversión
Cada Clase Maestra tiene un valor de $160.000 (12 horas)
La invitación es a tomar todos los encuentros y así puedes obtener un Descuento Especial:
Por tan solo $1.350.000 puedes participar de las 10 Clases Maestras (120 horas).
Notas
– Se compartirá material de consulta y lectura para cada sesión según lo requiera la metodología de cada Clase Maestra.
– Cada Clase Maestra tendrá un carácter Teórico-Práctico sobre el tema.
– Cada participante recibirá certificación por cada Clase Maestra que curse.
– Las Clases Maestras se realizarán en la Nueva Sede DECA en el barrio Morato (Avenida Carrera 70 No. 112 – 73)
– Según su interés, y propósito, podrá tomar las clases maestras que desee de manera independiente. No existe un enlace entre uno y otro encuentro y/o maestro.
– El participante debe asistir con ropa de trabajo y libreta de apuntes para cada sesión. Así mismo haber reclamado y leído el material de consulta según lo pida el maestro.
– Se recomienda que los participantes cuenten con el tiempo de la mañana del domingo en caso tal el maestro deje algún trabajo como cierre del proceso.
– Cada participante debe estar a paz y salvo en coordinación antes de iniciar cada clase maestra.
Informes
Avenida Carrera 70 No. 112 – 73 (Barrio Morato)
Tel.: 5336809 Cel.: 312 – 3514148 / 319 – 3910421
coordinaciondeca@gmail.com
