Esteban Sánchez es Maestro en Artes Escénicas con énfasis en Actuación de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas – ASAB, gestor cultural, creador y director de Hablemos de Teatro (@hablemosde_teatro), una plataforma de comunicación y divulgación cultural dedicada a visibilizar la escena teatral, promover la formación de públicos y acercar las artes escénicas a nuevas audiencias a través de los medios digitales.

Quiero comenzar agradeciendo a William Guevara por invitarme a participar en esta edición de Esto-vieron y a Kiosko Teatral por su trabajo para documentar, discutir y mantener viva la memoria de nuestros escenarios. En un oficio hecho de acontecimientos irrepetibles, escribir sobre lo que vimos es también una forma de impedir que desaparezcan del todo.

Este año vimos cerca de cincuenta obras en Hablemos de Teatro. Desde enero pusimos una regla sencilla: hablar de las que llamamos “nuestras favoritas”. La conversación empezaba al salir de la sala, seguía en nuestras reuniones y varias de esas obras terminaron en las historias destacadas de nuestro perfil. Por eso, cuando llegó la invitación, armar esta lista de diez fue darle un nuevo espacio a una selección que ya veníamos construyendo.

Como actor siempre entro a una sala con un criterio académico que he intentado suavizar, pero que al final termina siendo mi gusto culposo. Es lo que explica por qué hay obras con las que conecto y me encantan. Busco actores que habitan la verdad de sus personajes. Directores que se la jueguen, ya sea con una puesta de gran formato o con un espacio vacío, que además se atrevan a tocar temas difíciles y a decidir cómo contarlos. Una dramaturgia rica, que dé de qué hablar al salir. Un montaje que conecte con quien lo mira, que nos haga reír, reconocernos y vivir la escena hasta que la obra nos pase por el cuerpo. Un oficio técnico que construya atmósferas para llevarnos de la mano en el viaje con luz y sonido. Creo que las diez obras de esta selección cumplen todo eso, cada una a su manera.

Yo presencié personalmente las primeras siete. Las tres últimas fueron vistas y recomendadas por integrantes del equipo y después de conversar sobre ellas, acordamos incluirlas en esta selección colectiva. Darles lugar es también reconocer el criterio y el trabajo de quienes hacen posible Hablemos de Teatro. No todos estuvimos en las mismas funciones, pero sí construimos juntos esta mirada sobre el año teatral.

Mi esposa japonesa / La casa de la bugambilia / Dirección: Karen Lizardi

Abrir esta selección con Mi esposa japonesa es una decisión personal. Es mi obra favorita y además me parece importante reconocer el trabajo de las mujeres en la escena colombiana. Que una obra de esta calidad esté sostenida en gran parte por una sola mujer me parece impresionante. Karen Lizardi la escribió, la dirige y la actúa.

La obra nació en 2025 cuando el festival Mirada Paralela, en el teatro La Maldita Vanidad, la invitó a escribir y montar una pieza inspirada en textos de Tennessee Williams. Después de verla tuve la oportunidad de darle a Karen mis felicitaciones por esta increíble pieza y me contó que la montó en tres días, una vez tuvo el texto escrito. Tres días para una obra con este rigor, lo cual la hace aún más impresionante.

Karen carga con el protagonismo, pero la obra necesita a quien hace de su esposo. Jorge Hugo Marín tomó el papel este año y Jairo Cubides lo hizo antes. Sin ellos la obra no sería tan potente.

El personaje que construye Karen da la sensación de ser una muñeca de porcelana. Camina con pasitos cortos, está siempre impecable, le cocina a su esposo y tiene todo en su sitio. Son manierismos casi de cliché que funcionan muy bien. Uno quisiera verla perfecta y su delicadeza hace que asombre más cada vez que su esposo la atropella de una forma distinta. Cada vez que ella sale de su discurso de esposa perfecta y nota algo que no le gusta de su relación, él la silencia. El golpe no se ve, pero sí lo que queda después y siempre es más gráfico. Como la violencia crece a lo largo de la obra, uno se queda pegado a la silla. Nunca sabe cuándo va a estallar ni de qué manera va a volver a aparecer ella en escena logrando sorprendernos.

Esta obra no intenta explicar nada, cuenta un momento de algo que ya ocurrió muchas veces en esa pareja, por eso ella lo tiene normalizado. Cada vez al personaje de Karen le cuesta más rearmarse y vemos el agotamiento de su cuerpo y su empeño en seguir. Me hizo pensar en mi abuela y en tantas historias de antes, en las que el valor de una mujer se limitaba a servir en la casa y cualquier intento de tener identidad se acallaba a la fuerza.

La vi dos veces, el año pasado y este año. Las dos veces salí con la piel de gallina y la misma fascinación, que no me deja soltarla ni cuando termina. Este año esa sensación se reforzó. Fue un antes y un después en cómo entiendo hacer teatro, porque Karen demuestra que una sola persona puede crear algo enorme. Volver a verla fue una alegría enorme y ver que la estrella sigue siendo Karen con Jorge Hugo al lado me parece impresionante.

Casasola (pero yo sí estoy) / Gente Anónima / Dirección: Diego Quintero

Cuando Diego me contactó para hacer el video promocional de Casasola, ya había escuchado comentarios entusiastas sobre sus primeras funciones. Me intrigaba que una obra que parte de un tema tan delicado como el suicidio despertara reacciones tan enérgicas, ya que yo asociaba ese tema con algo más lúgubre y melancólico.

El ensayo al que asistí y después la función que presencié me mostraron otra posibilidad. Diego construye, a partir de una experiencia personal, una obra que se siente como una mezcla de energizantes y opioides: altera nuestra percepción y acelera la realidad.

Casasola (pero yo sí estoy) pone las exigencias sociales de la masculinidad en escena como una experiencia física de terror psicológico. Sin recurrir al sobresalto fácil, mezcla danza, actuación, iluminación y video en vivo en una atmósfera asfixiante. La austeridad del espacio contrasta con la intensidad de los estímulos y los primeros planos en directo dejan a los intérpretes expuestos. En un crescendo de voces, cuerpos e imágenes, la presión sobre el protagonista termina contagiándose al público.

Si tuviera que describirla, diría que es un programa adolescente grabado durante una fiesta techno dentro de un hospital psiquiátrico. En medio de ese torbellino, la obra insiste en preguntarnos: ¿eres feliz?

Como espectador y como hombre, me reconocí en varias de esas tensiones y salí preguntándome cuánto de lo que creemos ser responde, en realidad, a lo que otros esperan de nosotros.

El caimán y los sapos / Compañía Nacional de las Artes – Teatro Bárbaro / Dirección: Rogelio Quintana y Antonella Camacho

Llegué a El caimán y los sapos sabiendo poco de ella. Disfruto entrar a una sala sin saber exactamente qué encontraré y dejar que la escena me muestre su mundo. Sabía que hacía parte del repertorio de la compañía, pero no imaginaba lo conmovedora que sería.

La obra nos lleva a una realidad de explotación sexual y a las relaciones de poder que permiten que siga existiendo. Con apenas cinco personajes, su mayor fortaleza está en el trabajo de las dos protagonistas. Andrea, una niña que todavía sonríe e imagina un futuro distinto, enfrenta una realidad que amenaza con erosionar su inocencia sin apagar del todo su esperanza. Frente a ella aparece una joven a quien la violencia le quitó buena parte de sus ilusiones, pero no la capacidad de cuidar a alguien más. Entre ambas nace una complicidad casi familiar. Ninguna da más que la otra. Una protege desde lo que aprendió en el sufrimiento y la otra ofrece alegría y una esperanza que no se deja apagar.

La austeridad de la puesta potencia esa vulnerabilidad. Una tina con agua es casi el único elemento escenográfico, así que el mundo de la obra se construye con acciones, diálogos y relaciones. La luz tenue crea una atmósfera de encierro y el público, sentado muy cerca alrededor de la acción, deja a las intérpretes permanentemente expuestas. Sin lugares donde esconderse, cada gesto y cada silencio se sienten demasiado cerca.

Hay una escena alrededor de la tina que se me quedó grabada y prefiero no contarla para no arruinarle el momento a quienes aún no la han visto, pero les aseguro que lo que duele es la distancia entre lo que nosotros entendemos y lo que Andrea todavía se resiste a aceptar.

Mientras investigaba para esta selección descubrí que la dramaturgia nació en un contexto mexicano. Aun así, nunca la sentí lejana. La asocié de inmediato con la trata y la explotación sexual que también existen en Colombia y con la indiferencia que muchas veces las rodea. Quedé impactado y agradecido de haberla descubierto. Me acompañó la necesidad de seguir contando estas historias, porque hablar de la explotación sexual de niñas y mujeres es también una invitación a reconocer las señales de alerta y a cuestionar nuestra indiferencia.

A veces basta una tina, un buen elenco y una historia que se niega a quedarse en silencio.

Mamíferas / Mamíferas / Dirección: María Valentina Chica Guaca

Hay pocas obras que nos permitan una intimidad con la escena casi intrusiva y Mamíferas es una de ellas. La historia transcurre en el baño de una boda, un espacio que se transforma en un confesionario de secretos y tensiones que difícilmente saldrían a la luz frente a los demás invitados.

Recuerdo la sensación de estar detrás de un espejo, escuchando conversaciones que no eran nuestras. La cercanía con las intérpretes y el realismo de la escenografía hacen que una risa o una respiración demasiado fuerte parezcan capaces de delatarnos. A eso se suman las microacciones de las actrices, su relación con el espacio y ciertos momentos de intimidad con algunas de ellas que refuerzan esa sensación.

Lo que más me impresionó es que habla del machismo sin un solo hombre en escena. Aparecen sus consecuencias en las relaciones, en lo que se espera de las mujeres, en cómo unas se juzgan o se protegen entre sí. La obra nos deja pensando cómo ciertas violencias se heredan en casa, se normalizan y terminan confundiéndose con cuidado o con amor.

La historia de Colombia jamás clowntada / Átomos teatro / Dirección: Diego García Morales

Todos conocemos la Independencia como nos la contaron en el colegio, con fechas, imágenes de los héroes de la patria y batallas que parecían intocables. La historia de Colombia jamás clowntada vuelve a mirarla desde el absurdo. En lugar de repetir la solemnidad de los relatos escolares, juega con episodios que creemos conocer y los llena de sorpresa.

Siempre me ha interesado la capacidad del clown para hacernos reír de lo que parece demasiado serio. Aquí hay mucha comedia física, con golpes y gags que funcionan porque la obra tiene un ritmo que no suelta al público. Saltan de una situación a otra y eso la vuelve ligera. Los anacronismos reemplazan objetos y traen las redes sociales a la Independencia. Así llevan al ridículo a los personajes históricos y a la Patria boba. Los intérpretes se escuchan y sostienen el juego con precisión, por eso cada giro inesperado recibe una respuesta inmediata del público.

Como colombianos conocemos esa historia y ahí el chiste funciona doble. La Pola y la batalla de Boyacá, entre otras referencias, llegan sin su tono ceremonioso. Esos anacronismos terminan funcionando como una lectura del presente, porque dejan la sensación de que seguimos siendo una «patria boba».

La historia de Colombia casi siempre se enseña plana, con fechas claras, personajes y tecnicismos que la vuelven académica y nos ponen una barrera. Esta obra la suaviza y abre una puerta a la curiosidad. Después de tantas situaciones ridículas, nos invita a apropiarnos de nuestra historia y a empoderarnos frente a quiénes somos. Es un acercamiento a revisitar la independencia desde el juego.

A pesar del peligro / Teatro de garaje / Dirección: Santiago Daza

A veces necesitamos que el caos irrumpa en nuestra vida para descubrir las grietas de nuestras relaciones. A pesar del peligro parte de una situación extrema: un asesinato y una huida que deja a dos personas frente a las consecuencias de sus actos y a las tensiones de su vínculo. Lo que podría ser solo una historia de suspenso se vuelve algo más íntimo, porque el peligro termina destapando cómo es la vida en pareja.

Disfruté su manera de pasar del drama a la comedia. La tensión del crimen convive con comportamientos tan contradictorios como divertidos. Aun cuando todo parece salirse de control, persisten el deseo, la complicidad y el furor de una pareja que se vuelve a enamorar, hasta que la adrenalina baja y llega el golpe de realidad. Los cuatro intérpretes logran que la tensión no se afloje sin perder el humor.

Fernando Barinas y Felipe Reyes funcionan como alivio de la trama principal al construir distintas duplas de personajes envueltos en situaciones tensas, sí, pero absurdas. Ese absurdo mantiene despierta la atención del público todo el tiempo. Mientras tanto vemos cómo crece la complicidad entre los personajes de Tatiana Arias y Santiago Daza.

Me parece que hoy las relaciones de pareja se sienten difíciles, sobre todo entre la gente joven, que cada vez se compromete menos con vínculos duraderos. Para quien ya cruzó esa barrera, la obra plantea otra duda. ¿Cuánto necesitamos que algo extraordinario rompa la rutina para volver a mirar al otro con deseo? Habla del amor sin idealizarlo y de cómo una relación puede o no madurar y perdurar.

¿Quién ama a Martha Lara? / Benvelé Crea / Dirección: Johan Velandia

Una madre enferma propone la eutanasia como fin a sus dolores. Reúne a sus hijos para contárselo y les anuncia que la herencia dependerá de quien le demuestre que la quiere. Es una familia con dinero, así que cada gesto de cariño tiene precio. Al inicio los hijos reafirman su cariño con palabras vacías como “mamá, no se vaya” y “mamá, la quiero”. Poco a poco pasan de las palabras a los actos que buscan demostrar ese afecto, cada vez más ridículos.

Hacía mucho no me reía tanto en una sala. El humor es ácido y viene de las situaciones que se van armando. Los hijos se vuelven cada vez más interesados. Cuando la madre empieza a darse cuenta de lo que pasa, lo primero que hacen para controlar la situación es anestesiarla y así acallarla. Eso contrasta con su discurso de convencerla de que siga viva. Lo más gracioso es el descaro con que hablan mal de Martha en su cara mientras ella duerme. Detrás hay un juego de poder que recorre toda la función y pasa de la madre a los hijos y también de un hijo a otro, según quién tenga la batuta en ese momento.

Marcela Benjumea hace de Martha Lara, la madre de carácter arrollador. Alrededor de ella giran tres hijos muy marcados que contrastan con su fuerza. Cony Camelo es Corina, la hija mayor, dura y seria. Es la que más distancia tiene con su madre y resulta ser la que más se parece a ella. Jenny Lara es Graciela, la hija cuidadora, puritana y muy creyente. Lleva un tiempo cuidando a su madre y no es tan santa como se muestra. Ernesto Benjumea, que además escribió el texto, hace de Tito, el hijo favorito, mimado y muy torpe. Su vida está dominada por otros y da risa verlo intentar ponerse al frente para quedarse con la herencia mientras su propio carácter no lo deja.

La obra pregunta quién ama a quién. Ella quiere saber quién la quiere de verdad y al otro lado los hijos buscan saber si su mamá los quiere a ellos.

La producción tiene una escenografía llamativa y muy cuidada desde la dirección de arte. Es una obra muy colorida y eso se ve tanto en los personajes como en el espacio. La escenografía busca ser naturalista y nos sitúa de lleno en la historia con una casa de verdad, cama incluida. Las convenciones nos transportan a otros lugares con muy poco. Ese contraste con una casa tan real funciona muy bien.

Las vistas de Hablemos de Teatro

Las siguientes tres obras llegan desde las miradas de mis compañeros de Hablemos de Teatro, que las vieron y compartieron sus impresiones conmigo. Las cuento desde lo que ellos me contaron, sin presentar como propios recuerdos que no viví.

Edipo no está en Colono, está en Ditirambo / Ditirambo Teatro / Dirección: Rodrigo Rodríguez

Una escalera deja de ser una escalera y se convierte en un universo de posibilidades. La estructura, semejante a un andamio, se transforma constantemente en espacios y objetos distintos, sin que la acción parezca detenerse un solo instante. Todo fluye con la precisión de una ilusión óptica. Una imagen nace de otra, los personajes aparecen y desaparecen, y ocho intérpretes consiguen dar la impresión de ser una multitud. Salvo quien encarna a Edipo, quien siempre es interpretado por el mismo actor, el elenco transita entre múltiples personajes mediante un extraordinario juego de máscaras y vestuarios.

En esta versión, Edipo no habita la antigua Grecia. Es un alcalde colombiano que aparece después de un terremoto. Ditirambo se apropia de la tragedia para trasladarla a nuestra historia, nuestras costumbres y nuestra manera de entender el poder. Lo fascinante es que no se siente como un personaje griego disfrazado de colombiano, sino como alguien que perfectamente podría haber nacido aquí. Su arrogancia, enfrentada a un discurso de compromiso social, evoca incluso las contradicciones de figuras políticas contemporáneas.

La puesta en escena es colorida, musical y lúdica. Invita al público a participar, incorpora referencias a nuestra identidad y se permite explorar lo fantástico sin perder la claridad narrativa. Tiresias, por ejemplo, aparece como una criatura enigmática, construida mediante máscaras y un vestuario que desdibuja las fronteras del género, con una presencia cercana al realismo mágico. Estos recursos hacen que la tragedia resulte accesible incluso para quienes no conocen la historia de Edipo. Aunque esta entrega no desarrolla la totalidad de la fábula, pues forma parte de un tríptico, logra sostener una experiencia teatral dinámica y comprensible por sí misma.

Más que imponer una reflexión sobre Colombia, Edipo no está en Colono, está en Ditirambo parece celebrar nuestra capacidad de reconocernos y reinventarnos en medio de las contradicciones y las catástrofes. Rodrigo Rodríguez demuestra que un clásico no necesita permanecer solemne ni distante para conservar su grandeza. Basta una estructura de escaleras, ocho intérpretes extraordinarios y una imaginación escénica desbordante para que una tragedia de siglos atrás encuentre un nuevo lugar al cual pertenecer.

La partida / Fuera de lugar / Dirección: Juan Camilo Barragán

Hay algo inquietante en descubrir que una obra nos hizo reír de una situación que, fuera del teatro, nos produciría un rechazo absoluto. La partida habla de una violación y de la manera en que fue planeada. Aun así usa el juego y una comicidad cercana al universo infantil para acercarse a una de las formas más brutales de la violencia machista.

La risa llega casi como una reacción involuntaria. A medida que se entiende lo que ocurre en escena, esa misma risa se vuelve incómoda.

Que mujeres interpreten a los personajes masculinos abre una distancia entre sus cuerpos y las conductas que representan. Más que caracterizar hombres, la escena deja ver actitudes y formas de relacionarse que por exageradas parecen absurdas y a la vez muy reconocibles. El machismo aparece como un conjunto de comportamientos aprendidos. Lo que se aprende también se puede cuestionar desde el teatro.

La comedia invita al público a aceptar las reglas del juego. Aquí esa disposición se vuelve una trampa, porque lo que al principio da risa termina mostrando una violencia ante la cual cuesta permanecer indiferente. La obra tampoco la presenta como un hecho aislado. Pone en cuestión lo que puede antecederla, como la complicidad o la facilidad con que la crueldad se disfraza de juego cuando nadie la cuestiona.

La avería / Charlot Teatro / Dirección: Daniel Soulier

¿Qué tan lejos estamos dispuestos a llegar para sentirnos importantes ante los ojos de los demás? La avería parte de un acontecimiento aparentemente insignificante: un hombre sufre un desperfecto con su automóvil y termina involucrado en una reunión donde un juicio se convierte en entretenimiento.

Uno de los aspectos más sugerentes de La avería es su exploración del arribismo y de la necesidad de validación social. Su protagonista se encuentra ante personas cuya posición y autoridad parecen otorgarles el derecho de examinar su vida. Sin embargo, la situación no se sostiene únicamente por la voluntad de quienes conducen el juicio. También se alimenta del deseo de quien acepta participar, de su necesidad de impresionar y de la facilidad con que una persona puede modificar su comportamiento cuando cree estar frente a alguien superior.

Allí aparece una contradicción humana. Queremos que los demás reconozcan nuestros logros, nuestra inteligencia y nuestra importancia, pero esa necesidad de aprobación también puede dejarnos expuestos a la manipulación. La obra convierte una reunión aparentemente cordial en un espacio donde las palabras comienzan a adquirir consecuencias cada vez más graves. La frontera entre la cortesía y la amenaza se vuelve progresivamente difusa.

La naturalidad de las interpretaciones permite que el público acepte las reglas del encuentro antes de advertir hasta dónde pueden conducirlo. Los personajes no necesitan abandonar sus comportamientos cotidianos para que la situación resulte perturbadora. Precisamente esa verosimilitud deja que el absurdo se instale sin romper la ficción.

***

Al mirar el recorrido de este año, lo que permanece no es únicamente el recuerdo de las historias, sino lo que sucedió con nosotros mientras las presenciábamos. Hubo risas que dieron paso a la incomodidad, silencios que continuaron después de la función y preguntas que encontraron una segunda vida en nuestras conversaciones. Ahí está, para mí, una de las mayores virtudes del teatro: no termina cuando se apagan las luces, porque algo de esa experiencia sigue transformándose en quien la vivió.

También me entusiasma lo que este año deja entrever sobre la escena bogotana y colombiana. Encontré una diversidad de propuestas, una búsqueda constante de nuevos lenguajes y una voluntad de encuentro entre artistas, salas y espectadores. Sería apresurado afirmar que todos los retos del sector están resueltos, pero sí percibo una cohesión y una energía creativa que invitan a seguir atentos a su crecimiento. Me emociona pensar en lo que vendrá y en la posibilidad de regresar a varias de estas obras para descubrir, en una segunda o tercera mirada, aquello que la primera vez se me escapó.

Por eso quiero cerrar con una invitación: salgamos a ver teatro. Entremos a salas que todavía no conocemos, conversemos sobre lo que nos gustó y también sobre lo que nos incomodó, recomendemos las obras y construyamos nuestras propias selecciones. Llenar las salas es acompañar a quienes hacen posible cada función y participar de una escena que necesita públicos curiosos, presentes y dispuestos a volver. Ojalá el próximo año nos encuentre viendo más teatro, discutiéndolo con más personas y celebrando todo lo que aún está por contarse.

---

Lea los otros artículos del grupo de profesionales del arte escénico que hacen parte de esta franja de la dinámica Esto-vi, llamada Esto-vieron 2026, dando cli aquí.