Catalina Amaya Benítez es comunicadora social y periodista de la Universidad Central (2021), magíster en Educación, Arte y Cultura de la Universidad Pedagógica Nacional (2026) y con diplomado en formación para la construcción de paz de la Universidad Nacional Abierta y a Distancia (UNAD). Cuenta con más de seis años de experiencia en comunicación estratégica, gestión cultural, relaciones públicas, prensa y marketing digital. Ha liderado estrategias de comunicación y redes sociales para artistas, creadores de contenido, influencers y proyectos culturales; también ha desarrollado trabajo fotográfico con agrupaciones y espacios teatrales, entre ellos el Teatro del Embuste, registrando procesos artísticos y experiencias escénicas. En 2023 se desempeñó como jefa de prensa en el Teatro Nacional. Su trayectoria integra también la pedagogía y la creación artística. Ha trabajado como profesora de artes escénicas en Escuela Musicala y desarrolla su labor como formadora y artista escénica. Actualmente se desempeña como community manager del restaurante temático Circo Colombia y crea experiencias artísticas para eventos sociales y culturales. Su apuesta profesional reúne comunicación, educación, fotografía, creación y gestión, convencida de que las artes son fundamentales para la formación humana, la construcción de paz y la transformación de la vida cotidiana. Es fundadora de Teatro de la Imagen, una «Red creativa de comunicaciones para las artes vivas» desde la cual impulsa estrategias de prensa, fotografía, contenidos audiovisuales, gestión digital y promoción de proyectos escénicos. 

El teatro como forma de vida: obras que nos invitan a cuestionar, sentir y comprender nuestro tiempo

Hay historias que terminan cuando se apagan las luces y otras que continúan acompañándonos mucho después de salir de una sala. El teatro tiene esa capacidad: poner frente a nosotros preguntas que quizá evitamos en la cotidianidad, hacernos reír de nuestras propias contradicciones y mostrarnos realidades que merecen ser observadas desde otros lugares.

Durante este año, algunos de mis encuentros con la escena han estado atravesados por obras que hablan de la soledad, la inteligencia artificial, la muerte, la identidad, el costo de la vida y la vulnerabilidad humana. Propuestas distintas en sus lenguajes, pero conectadas por algo esencial: su capacidad de dialogar con el tiempo que vivimos.

Cuando el afecto se convierte en un negocio

En Rent a Feeling®, de Contradicción Arteatro dirigida por Lina Rivero, la soledad y los vacíos emocionales se convierten en una oportunidad de negocio. La obra imagina una realidad peligrosamente cercana en la que ya no necesitamos tiempo ni encuentros humanos para sentirnos acompañados: basta con adquirir una suscripción y alquilar emociones a través de agentes de inteligencia artificial capaces de representar vínculos afectivos con una precisión inquietante.

Con un elenco de nueve actores y una estética retrofuturista inspirada en los años sesenta, esta comedia combina humor ácido y dramatismo tecnológico para mostrarnos a distintos clientes que recurren al servicio buscando llenar sus vacíos emocionales. Cada experiencia promete consuelo, pero también deja preguntas.

La obra nos enfrenta a una contradicción de nuestro tiempo: mientras desarrollamos tecnologías capaces de simular el afecto, ¿estamos perdiendo la capacidad de construir vínculos auténticos? Quizás el verdadero riesgo no sea que las máquinas aprendan a sentir, sino que nosotros dejemos de hacerlo.

Una inquietud que también atraviesa 1:11 (Uno y Once) del Teatro Nacional dirigida por José Luis Díaz, protagonizada por Luis Eduardo Arango, una propuesta de ciencia ficción que explora la relación entre la realidad, la tecnología y el ser humano. Ambas obras nos invitan a pensar hasta dónde puede llegar la tecnología y qué lugar queremos reservar para los vínculos, la conciencia y las emociones.

¿En qué foto nos convertiremos? El precio de la ausencia

Con Aquí todo es Caro, de Proyecto La migra, escrita y dirigida por Margarita Babel-Arboleda, el humor negro se convierte en una herramienta para hablar de la muerte, la memoria y el duelo. Su formato de conferencia performática transforma el escenario en una especie de oficina donde tres mujeres intentan gestionar la pérdida con la eficiencia de un sistema que parece no tener tiempo para sentir.

La propuesta incorpora una relatoría gráfica en vivo y juega con una pregunta tan cotidiana como perturbadora: ¿con cuál de todas nuestras fotografías seremos recordados? Una obra que cuestiona la manera en que intentamos ponerle precio, orden y productividad incluso a aquello que emocionalmente no podemos controlar.

En la temporada que inspira esta reflexión participaron Isabel Jiménez y Sofía Arrieta. Actualmente, el elenco cuenta con Marleyda Soto y Ana Sevillano, quienes asumieron sus respectivos lugares.

Caer, jugar y volver a empezar

Desde el nordeste brasileño llega Pupilo, un espectáculo que encuentra en el clown, el street dance y el hip hop una manera de transformar lo cotidiano en poesía. Su propuesta celebra la alegría como una fuerza capaz de transformar nuestra relación con el mundo y con los demás.

Esa exploración también se extendió al taller Poética de la caída, dirigido por Geyson Luiz, un espacio para acercarse al error, el desequilibrio y las técnicas de caídas y tropiezos. En escena, caer no significa necesariamente fracasar: puede ser una oportunidad para descubrir otros movimientos, reconocer nuestra fragilidad y comenzar de nuevo.

El clown tiene esa capacidad particular de convertir el fracaso en poesía. Su torpeza nos representa, su vulnerabilidad nos acerca y su humor nos recuerda que no siempre tenemos que saber qué hacer para seguir adelante. En esta misma línea, las propuestas que encuentran espacio en escenarios como el Teatro del Embuste nos permiten descubrir otras maneras de narrar el cuerpo, el absurdo y las contradicciones humanas.

Los personajes que nos confrontan

En Las sirvientas, de la Compañía Nacional de las Artes, versión de César LM Figueroa sobre la obra de Jean Genet, bajo la dirección de Antonella Camacho, con Andrés Alza, Daniel Chavío y Nicolás González, el teatro vuelve a poner en primer plano las relaciones humanas y los personajes que habitan sus contradicciones.

Llevar a escena una obra de Genet implica entrar en un universo teatral que interpela las relaciones de poder, las identidades y las apariencias. Es también una oportunidad para encontrarnos con personajes que nos obligan a mirar más allá de lo evidente y a preguntarnos qué hay detrás de los papeles que representamos en la vida cotidiana.

El teatro también necesita espectadores

Estas experiencias me han recordado que asistir al teatro no debería ser un privilegio ocasional ni una actividad reservada para quienes pertenecen al sector artístico. Es una posibilidad de encuentro con la cultura, con otras personas y con preguntas que enriquecen nuestra manera de comprender la sociedad.

Como comunicadora y gestora cultural, considero que una obra no solamente necesita ser creada: también necesita encontrar públicos. Detrás de cada montaje hay equipos humanos, procesos de investigación, dramaturgias, ensayos y decisiones creativas que merecen ser reconocidos. La comunicación cultural cumple un papel fundamental en ese recorrido, porque permite que las historias circulen y encuentren a quienes todavía no saben que necesitan verlas.

Mi invitación es a descubrir las salas, apoyar las agrupaciones, conocer nuevas propuestas y hacer del teatro un hábito. No siempre saldremos con respuestas, pero seguramente tendremos algo nuevo sobre qué conversar.

Porque ver teatro también es aprender a mirar. Y vivirlo es permitir que otras historias nos ayuden a comprender mejor la nuestra.