Juan Tonatiuh Zabala Rincón es Licenciado en Artes Escénicas de la Universidad Pedagógica Nacional, productor artístico, gestor cultural y cofundador de la Fundación artística y cultural Circo Raíz. Cuenta con una trayectoria de más de diez años en el desarrollo, producción y gestión de proyectos culturales y escénicos, participando en la creación, organización y realización de festivales, encuentros artísticos, procesos de formación y proyectos comunitarios. Ha trabajado en escenarios y eventos de ciudad como el Festival de Teatro y Circo de Bogotá en sus últimas 5 ediciones, Rock al Parque, Hip Hop al Parque, Jazz al Parque, Joropo al Parque y Colombia al Parque, desempeñándose en áreas de producción artística, logística y gestión administrativa. Desde Circo Raíz ha impulsado procesos de circo social, teatro y formación artística, explorando las posibilidades del arte como herramienta de transformación social y construcción colectiva. Su interés por las artes escénicas se encuentra en el diálogo entre el cuerpo, el movimiento, la creación y el territorio, entendiendo la escena como un espacio de encuentro, experimentación y construcción de pensamiento.

Me gusta pensar el teatro como un lugar donde suceden cosas que van mucho más allá de contar una historia. Me interesa aquello que ocurre entre los cuerpos, los objetos, el espacio y quienes observamos; esa capacidad que tiene la escena de transformar nuestra percepción de la realidad y llevarnos a lugares que creíamos olvidados, confrontarnos con preguntas incómodas o hacernos imaginar mundos que solamente existen mientras alguien los representa.

Desde mi experiencia en las artes escénicas, particularmente desde mi relación con el circo y el teatro, me interesa comprender cómo el cuerpo puede convertirse en un territorio de conocimiento, memoria y creación. Cómo un gesto puede contener una historia, cómo un objeto puede construir un universo y cómo el movimiento puede producir pensamientos que no necesariamente pasan por la palabra.

Las obras que comparto en esta edición de Esto-vi me permitieron encontrar diferentes maneras de acercarme a estas preguntas. Son propuestas con lenguajes y búsquedas muy distintas, pero que tienen algo en común: la capacidad de convertir la escena en un espacio donde podemos encontrarnos con aquello que somos, con lo que hemos vivido y con aquello que todavía estamos intentando comprender.

Lágrimas de agua dulce / Otium Teatro / Dirección: Camilo Casadiego

Esta obra, dirigida al público infantil, logra construir un mensaje que funciona en doble vía: interpela tanto a los niños como a los adultos. A través de la historia de Sofía, una niña cuyas lágrimas pueden aliviar la sed de un pueblo azotado por la sequía, nos encontramos con temas como la explotación infantil, el sacrificio y la responsabilidad que depositamos sobre las infancias. Me parece especialmente valioso que la obra consiga mostrar una realidad tan cruda sin recurrir a imágenes agresivas o a una representación excesivamente fuerte. No tiene un final feliz en el sentido convencional, pero deja una sensación profunda en el espectador. Sus elementos escénicos contribuyen a construir un universo sensible donde el dolor también puede convertirse en una reflexión sobre el cuidado.

Valentina y la sombra del Diablo / El Baúl de la Fantasía / Dirección: Verónica Maldonado Carrasco

Esta obra tiene un enorme potencial pedagógico y, al igual que Lágrimas de agua dulce, consigue dialogar con niños y adultos desde diferentes lugares. Me interesa especialmente su trabajo con los títeres y la manipulación de objetos, donde las técnicas mixtas permiten construir un universo simbólico para abordar temas tan delicados como el abuso infantil y los secretos que producen dolor. Creo que el teatro de títeres tiene una posibilidad maravillosa: convertir los objetos en mediadores de aquello que muchas veces resulta difícil expresar con palabras. La obra nos recuerda que la escena también puede abrir conversaciones necesarias y construir espacios para reconocer, nombrar y transformar los miedos.

Crónicas de un periódico amarillista / Átomos Teatro / Dirección: Diego García Morales

Una obra de clown con una factura escénica excelente. Se percibe una investigación de muchos años que ha venido madurando y dando frutos en el trabajo de la agrupación. Es un grupo que he tenido la oportunidad de ver crecer, pues su trayectoria es contemporánea a mi propio recorrido como productor. Me alegra mucho encontrarme con la evolución de sus propuestas y reconocer cómo han ido consolidando un lenguaje propio. Creo profundamente que el circo debe ocupar un lugar importante dentro de las artes escénicas contemporáneas, no solamente como una técnica o una disciplina, sino como un lenguaje capaz de construir dramaturgias, universos y otras formas de relación con el público. Creo que Átomos Teatro está haciendo un trabajo muy importante en ese camino.

Jessica y el mar / La Otra Danza / Dirección: Juana Ibanaxca Salgado y Kalia María Ronderos

Esta obra me pareció la manifestación mágica de la mente de una niña con una enorme capacidad imaginativa. Su espacio escénico nos transporta a una casa junto al mar, donde los objetos dejan de ser elementos cotidianos para convertirse en posibilidades de creación. La manipulación de objetos y la combinación de diferentes técnicas construyen una atmósfera hermosa que nos permite entrar en el universo de Jessica y acompañarla en la búsqueda de su padre desaparecido. Me conmueve especialmente la manera como la imaginación infantil se convierte en un lenguaje para acercarnos a una ausencia tan dolorosa. La magia no oculta la tragedia, sino que nos permite entrar en ella desde otro lugar.

La caída de las aguilas / Teatro Estudio Alcaraván / Dirección: Paola Guarnizo

Esta obra tiene una potencia actoral extraordinaria. A través de las memorias de Ezequiel nos adentramos en un territorio atravesado por la violencia, el olvido y las contradicciones de nuestra historia. Es una propuesta que, después de diez años de haber llegado por primera vez a escena, sigue teniendo una enorme relevancia para la recuperación de la memoria histórica de nuestro país. Su relación con la masacre de El Salado nos recuerda la importancia de mantener vivas las historias de quienes han sufrido la violencia y de reconocer las estructuras que han permitido que estas tragedias sucedan. Me parece una obra maestra desde su construcción estética y su capacidad de reunir una gran interpretación actoral con una reflexión profunda sobre nuestra memoria colectiva.

Historia de un disfraz / Teatro R101 / Dirección: Hernando Parra

Para mí, esta obra es un imperdible de la escena bogotana. Como nos tiene acostumbrados Teatro R101, encontramos una gran manufactura escénica, una propuesta técnica impecable y un trabajo de interpretación extraordinario. A través de la historia de Henry Bautista y su relación con el personaje de Superman, la obra nos lleva por un recorrido autobiográfico donde la fantasía se convierte en una forma de habitar el mundo y construir una identidad propia. Es un verdadero sube y baja de emociones: por momentos nos llena de recuerdos y nos invita a jugar, y en otros nos confronta con lo doloroso que puede ser el mundo. Me interesa especialmente la relación entre el disfraz, la memoria y la posibilidad de seguir creyendo en los superhéroes. El monólogo de Felipe Botero es increíble y consigue una cercanía con el espectador que permanece mucho después de terminar la función.

Lobo / Los animistas / Dirección: Javier Gámez

Una obra de teatro muy completa. Me parece fenomenal el dispositivo escénico que construye la agrupación y su cercanía con el ritual desde una perspectiva que me remite a las búsquedas de Antonin Artaud. Encuentro una composición en la que la música, la danza, las máscaras, la manipulación de objetos y el altar como lugar central construyen imágenes de una enorme potencia. Lo que más me interesa es que ninguno de estos elementos parece estar superpuesto; todos se encuentran en un diálogo continuo que permite construir un lenguaje escénico coherente y particular. La obra nos lleva a reflexionar sobre la memoria, la verdad y la manera como nos relacionamos con nuestra propia historia. Es una experiencia que demuestra cómo los diferentes lenguajes artísticos pueden encontrarse para producir algo que va más allá de la narración convencional.

La Electus / Viviana Bernal / Dirección: Viviana Bernal

Es una obra que tiene una sensibilidad muy especial. El clown ocupa un lugar fundamental, porque permite encontrar un equilibrio entre la comicidad y una situación que, sin este lenguaje, podría resultar profundamente cruda y triste. La historia de Lorenza, una mujer trabajadora que construye su universo con objetos encontrados en la basura, nos acerca a una realidad atravesada por la precariedad y las dificultades de la vida cotidiana. Me interesa especialmente cómo Viviana consigue llevarnos a un lugar incómodo, el de una mujer embarazada en medio de esa guerra cotidiana que significa vivir, y hacerlo de una manera hermosa, sensible y cercana. La risa no desaparece el dolor, pero nos permite mirarlo desde otra perspectiva.

Aquiles o el guerrillero / Teatro Quimera y Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo / Dirección: Jorge Prada Prada

Atreverse a contar esta historia no es una tarea sencilla. La figura de Carlos Pizarro y el momento histórico que representa contienen múltiples perspectivas, tensiones y diferencias. Sin embargo, la propuesta consigue transportarnos a un periodo fundamental para comprender la construcción de paz en Colombia. Me parece interesante que la obra no pretenda convertirse en un documento histórico, sino que encuentre en la poesía y en el lenguaje teatral una manera de aproximarse a este personaje y a su contexto. Más allá de la figura individual, nos permite reconocer un legado y preguntarnos por las posibilidades de construir otros caminos para nuestro país. Hay momentos de nuestra historia que necesitan volver a la escena para que podamos seguir pensándolos colectivamente.

Yo no soy NN / Sin Grupo / Dirección: Edlanes Valeria Montañez

La historia de una madre y su hijo en un país atravesado por la violencia y las desapariciones extrajudiciales. Esta obra logra plasmar uno de los flagelos más dolorosos de nuestra historia desde una combinación de clown, teatro físico y animación de objetos. Me parece especialmente complejo y valioso conseguir contar una realidad tan cruda desde la risa, transitando constantemente entre el llanto y la alegría. La historia de Blanquita y su hijo nos recuerda que detrás de cada cifra existe una vida, una familia y una memoria que merece ser reconocida. El humor aparece como una forma de resistencia y como una posibilidad de conservar la humanidad incluso frente a las circunstancias más dolorosas. Una obra que nos invita a defender la memoria, la dignidad y el derecho a tener un nombre.

Después de encontrarme con estas propuestas, sigo pensando que el teatro tiene una capacidad maravillosa para transformar nuestra manera de mirar el mundo. Algunas obras nos llevan a la memoria, otras a la imaginación, al humor o a lugares profundamente incómodos. Pero todas, desde sus propios lenguajes, nos recuerdan que la escena es un espacio vivo donde el cuerpo, los objetos y las historias pueden producir otras formas de conocimiento.

Me gusta pensar que una función no termina cuando se apagan las luces. Algo permanece en nosotros: una imagen, un gesto, una pregunta o una sensación que continúa moviéndose mucho después de abandonar la sala.

Quizás ahí sucede lo verdaderamente escénico: cuando la función termina, pero algo de lo que vimos continúa habitándonos.